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Doctor Sleep Review: un `` film de super-héros avec des touches de terreur ''

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Quarante ans après The Shining de Stanley Kubrick, Ewan McGregor joue dans cette suite, qui «est impressionnante à tous points de vue», écrit Nicholas Barber.

Peu de gens quitteront l'adaptation classique de Stanley Kubrick de Stephen King, The Shining, avec un désir ardent de savoir ce qui est arrivé au garçon dans l'histoire. Il était l'un des personnages les moins engageants du film, classé quelque part entre les jumeaux fantomatiques et la sorcière flétrie dans la baignoire. Mais le docteur Sleep, une suite tardive de The Shining, veut que les téléspectateurs s'inquiètent du sort du garçon - et, étonnamment, il réussit. Crédible dans sa caractérisation, riche en détails mythologiques et d'une sincérité émouvante dans son traitement de l'alcoolisme et des traumatismes, le film est impressionnant à tous points de vue. Mais sa plus grande réussite est de faire ressembler The Shining à une préquelle - un aperçu tentant d'un récit plus riche et plus substantiel.

Il est différent de The Shining à presque tous les égards. Le film de Kubrick, sorti en 1980, était un mystérieux rêve fiévreux se déroulant dans un hôtel pendant un hiver. Le nouveau film, adapté du roman de King par le scénariste et réalisateur Mike Flanagan, est une aventure qui traverse les États-Unis et couvre près de 40 ans. Vous n'avez pas non plus le contrôle magistral de Kubrick sur le style et l'atmosphère - mais qu'avez-vous? Dans le même temps, le docteur Sono ne ressemble pas à une trahison de l'Éclairé. En partie parce qu'il regorge de références à son illustre prédécesseur, du tapis hexagonal au fait que le numéro de maison d'un personnage est 1980. (Malheureusement, un Jack Nicholson vieilli numériquement n'apparaît pas.) Mais principalement parce que l'intrigue qui qui fleurit dans Doctor Sleep se développe à partir des graines plantées il y a quatre décennies.

En 1980, Danny Torrance était une poupée tricycle avec le don de la télépathie, ou «briller». Considérant qu'il a rencontré un cuisinier qui était également télépathique, il est logique de supposer que plusieurs autres personnes pourraient également avoir le cadeau; Le docteur Sleep nous parle de ces personnes. C'est aussi une hypothèse logique que Danny aurait du mal à se remettre de tout ce dont il a été témoin dans The Shining. Comme une autre grande adaptation de Stephen King de cette année, It: Chapter 2, le film soutient que si vous rencontrez dans votre enfance des forces occultes meurtrières, vous ne grandirez pas nécessairement pour devenir un membre sain et complet de la société.

McGregor n'a jamais été aussi sympathique

Au lieu de cela, Danny a grandi pour devenir Dan (Ewan McGregor), un clochard ivre qui termine régulièrement ses nuits avec une bagarre dans un bar, une aventure avec un inconnu, ou les deux. Même dans son état le plus hédoniste, cependant, il a un air de prudence, d'épuisement et de tristesse: McGregor n'a jamais été aussi amical. Finalement, Dan obtient un emploi dans un hospice où il utilise sa télépathie pour calmer les mourants, où l'un des patients l'appelle Docteur Sleep. Tout comme il les aide à trouver la paix, il trouve également un peu de paix.

Cela ne peut pas durer. Dan le sait peu, mais il existe un gang désorganisé de prédateurs psychiques appelés True Knot qui traversent les États-Unis dans des camping-cars, gardant leur antenne mentale pour les enfants dotés de pouvoirs extrasensoriels. Lorsqu'ils localisent leurs victimes, ils les massacrent et absorbent leur force vitale (ou quelque chose). Le gang True Knot n'est pas des vampires buveurs de sang traditionnels, évitant la lumière du jour, mais l'implication intrigante est que chaque légende de vampire en dérive.

Toute suite de The Shining devrait avoir encore quelques frayeurs et beaucoup plus de sang

Le chef de gang est Rose the Hat, joué par Rebecca Ferguson avec un formidable mélange de charme de la terre séduisant et de détermination de sang-froid. Vous voyez, c'est un peu décevant qu'elle porte ce nom fleuri parce que, eh bien, elle aime porter un chapeau. Il est également décevant que votre groupe ne soit plus menaçant. Ils sont censés être des meurtriers de masse dotés de capacités terrifiantes, mais après une séquence d'ouverture effrayante dans laquelle ils attrapent une jeune femme, ils passent la plupart de leurs scènes assis autour de feux de joie dans la forêt, à se plaindre. Le plus effrayant à leur sujet est l'idée qu'ils peuvent prendre des guitares et suggérer une chanson. Toute suite de deux heures et demie de The Shining devrait certainement avoir quelques frayeurs de plus et beaucoup plus de sang que celle-ci.

Pourtant, Doctor Sleep s'améliore lorsque vous réalisez que c'est moins un film d'horreur qu'un film mélancolique de super-héros avec des touches d'horreur. The True Knot décide que son prochain repas sera composé d'Abra (le charismatique Kyliegh Curran), une jeune fille de 13 ans qui est en contact télépathique avec Dan. Et aussi réticent qu'elle soit à s'impliquer, il accepte que lui seul puisse se retirer dans le menu Noeud. À ce stade, le scénario se résume à la bataille entre deux sociétés secrètes d'étrangers surhumains nommés de code, il a donc beaucoup en commun avec la franchise X-Men 2017, Logan en particulier.

Il pourrait tout aussi bien créer sa propre franchise. Flanagan ne souligne pas ses liens avec le reste du travail de King, mais son film couvre tellement d'obsessions de l'auteur - chats, médiums, enfants disparus - qu'il amènera les téléspectateurs à se demander si les événements de Carrie, The Dead Zone, Cat's Eye et Pet Sematary s'est déroulé dans un univers fictif partagé. Si Doctor Sleep réussit bien au box-office, cela pourrait conduire à une rafale de séquences explicites et de spin-offs dans le `` King's Verse ''. S'ils brillent aussi brillamment que ce thriller surnaturel chaud et bien construit, ce ne serait pas une mauvaise chose.

Bombshell Review: `` Nuancé et étonnamment amusant ''

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Bombshell est "l'une des premières ressources à traiter #MeToo en des termes différents", avec des performances "superposées" et "subtiles" de ses stars, écrit Caryn James.W

Wit est l'enrobage de sucre dans Bombshell, un film étonnamment divertissant compte tenu de son sujet: le harcèlement sexuel sur Fox News et comment les présentateurs Megyn Kelly et Gretchen Carlson ont fait tomber leur puissant patron, Roger Ailes. Traitant le secteur des médias avec un cynisme sain, le film fait de la droite Fox News la cible de son humeur. «Demandez ce qui effraierait ma grand-mère et irriterait mon grand-père - c'est une histoire de Fox», dit un producteur expérimenté. L'endroit est aussi insulaire et absurde que le pays des merveilles d'Alice, avec Ailes comme souverain impérieux et fou.  

Sous cette surface environnante, cependant, se trouve une histoire complexe et socialement pertinente. Bombshell prend le point de vue des femmes et leur est totalement sympathique. Cependant, vous êtes également conscient des choix difficiles entre l'intérêt personnel et faire ce qu'il faut, et des engagements que les gens prennent par ambition. Avec des performances en couches de Charlize Theron dans le rôle de Kelly, dure à l'intérieur et à l'extérieur, et de Nicole Kidman dans le rôle de Carlson, dont le comportement doux masque une détermination obstinée, Bombshell est l'une des premières ressources à affronter #MeToo en des termes différents, permettant à ses héroïnes d'être les échecs.

Le film insère Theron dans des images réelles du débat, une technique bien utilisée et avec parcimonie tout au long

L'élément le plus brillant du film est l'incroyable transformation de Theron en le double de Kelly dans la vraie vie. Le visage de Theron a été remodelé avec des prothèses impossibles à discerner. Elle canalise le discours de Kelly, abaisse sa voix et s'appuie fortement sur les consonnes. Et elle plante le décor en s'adressant à la caméra, en parlant et en nous guidant à travers la salle de rédaction de Fox, qui reflète exactement ce que veut Ailes: des hommes qui le flattent, des femmes avec de grands cheveux et des chemises courtes. «Je sais ce que certains d'entre vous pensent», dit Kelly. «Et non, Roger ne nous dit pas quoi dire à l'antenne. Il n'en a pas besoin. "

L'histoire commence avec Kelly se préparant à modérer un débat du parti républicain en 2015. Elle est célèbre pour avoir interrogé Donald Trump sur ses commentaires désobligeants sur les femmes, pour lui faire dire le lendemain qu'elle avait «du sang qui coulait de ses yeux. , du sang en sort n'importe où ». Le film insère Theron dans la vraie actualité du débat, une technique bien utilisée et avec parcimonie tout au long du film. Les créateurs de Bombshell sont des experts pour brouiller la frontière entre fiction et réalité, donnant à tout une touche amusante. L'écrivain Charles Randolph a fait de même avec la crise financière de 2008 dans The Big Short. Le réalisateur Jay Roach a réalisé des films politiques factuels, dont Game Change, avec Julianne Moore comme Sarah Palin confiante et ignorante,

Kelly é a personagem principal e, aderindo ao realismo, não é liberal, apesar da inclinação esquerdista do filme. Um vislumbre de Theron enquanto Kelly no ar confirma isso. “Jesus era um homem branco, assim como o Papai Noel”, ela lembra severamente aos espectadores da Fox. E ela faz compromissos enormes e convenientes, entrevistando Trump um ano depois do debate e rindo de seu vulgar ataque pessoal a ela, como Kelly realmente fez.

O papel de Kidman é menor. Carlson é mais idealizado e mais obviamente vitimado, mas Kidman permite que sua astúcia se registre sutilmente em cada cena. No programa Fox and Friends, Kidman é inserido em um clipe dos reais co-apresentadores Steve Doocy e Brian Kilmeade, e desconsidera os elogios condescendentes sobre sua aparência.

John Lithgow é efetivamente rude como Ailes, tempestuoso e queixudo sob camadas de enchimento. Quando Carlson aparece no ar sem maquiagem para discutir como as mulheres são pressionadas em relação à beleza, Ailes entra no estúdio furiosa e grita: “Ninguém quer ver uma mulher de meia-idade suando até a menopausa”. Carlson, ao que parece, estava fazendo anotações.

Bombshell inclui uma cena de revirar o estômago, perfeitamente representada

O ponto fraco do filme é um personagem inventado, uma jovem produtora chamada Kayla Pospisil (Margot Robbie), cujas características costuradas nunca fazem muito sentido. Pospisil vem de uma família cristã conservadora, às vezes é completamente ingênua, mas também impiedosamente motivada. “Eu me vejo como uma influenciadora no espaço de Jesus”, ela diz a Ailes, se preparando para um slot no ar. Vemos o suficiente de seus momentos íntimos para saber que sua inocência é, pelo menos em parte, genuína, mas ela sabe exatamente que barganha Ailes está pedindo quando responde à sua sugestão. Os criadores dos filmes #MeToo sempre têm que decidir o quão enjoado deixar o público, e Bombshell inclui uma cena de revirar o estômago e perfeitamente representada que substitui todas as outras. Ailes pede a Pospisil para puxar lentamente a saia,

Quando Carlson processa Ailes, notavelmente o filme adiciona o suspense de um filme de delator. Outras mulheres apoiarão a história dela com a sua própria? Kelly vacila porque não quer destruir sua carreira. Theron não tenta torná-la agradável quando vemos o puro egoísmo de Kelly se chocar com a sensação incômoda de que ela será cúmplice se não se manifestar. O filme faz sua decisão parecer muito heróica, mas nunca ignora sua ambição quase cega.

Kate McKinnon tem algumas das melhores histórias em quadrinhos como outra produtora de ficção, encerrada de duas maneiras que são inaceitáveis ​​na Fox. Ela é lésbica e uma democrata secreta. Entre os muitos papéis menores, Richard Kind foi erroneamente como Rudolph Giuliani, então um dos advogados de Ailes. O ator não tem a aparência vampiresca e enrugada de Giuliani, mas agora é mais divertido do que os cineastas poderiam ter imaginado ver seu personagem aparecer como um Zelig com clientes desagradáveis ​​por toda parte.

Embora Bombshell confie nas perspectivas das mulheres, habilmente inclui outra. Quando Ailes é despedido por seu próprio chefe, Rupert Murdoch (Malcolm McDowell), ele afirma que deu a essas mulheres carreiras e não lhes fez mal. Murdoch diz a ele: “Não há público para essa versão da história”. Mas a versão do assediador está cada vez mais sendo explorada, não para justificá-la, mas para expor sua autoilusão e senso de direito. A série The Loudest Voice , com Russell Crowe como Ailes, confundiu tudo. A maldita série Apple + The Morning Show faz isso incrivelmente bem, com Steve Carell como uma figura parecida com Matt Lauer. Bombshell não será o último filme #MeToo, mas fala astutamente sobre este momento.

Pourquoi les petites femmes sont un triomphe

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La nouvelle adaptation de Greta Gerwig apporte une vision contemporaine du roman du XIXe siècle qui devrait être considéré comme un classique à part entière, écrit Caryn James.

Il y a un secret coupable partagé par plus de lecteurs que vous ne pouvez l'imaginer: certains d'entre nous n'aiment jamais cette histoire d'amour ennuyeuse, Little Women. C'est une opinion minoritaire à coup sûr: des générations d'écrivains de Simone de Beauvoir à JK Rowling et Patti Smith ont déclaré s'être inspirées du livre du XIXe siècle de Louisa May Alcott, en particulier de son héroïne semi-autobiographique obstinée, Jo.

La merveilleuse adaptation de Greta Gerwig traverse la surface moraliste du roman pour explorer les thèmes ci-dessous: féminisme, créativité, indépendance et individualité. Sans sacrifier le charme ou l'authenticité de la période historique, il ajoute une touche contemporaine qui peut plaire aux fans dévoués du livre et aussi à ses sceptiques. Les performances sont dynamiques, notamment celles de Saoirse Ronan dans l'impétueuse Jo, de Florence Pugh dans la sous-estimée Amy et Laura Dern dans celle de sa sage mère, Marmee. Et le film a l'air glorieux. Avec une connaissance ironique et profondément émotionnelle, c'est un triomphe.

Le scénario sûr de lui de Gerwig restructure la romance en commençant par Jo et ses sœurs adultes, dans les deux sens de l'enfance au présent. Ce changement les met en évidence en tant que femmes et non jeunes femmes en formation, chacune avec un caractère clairement défini. Ce Jo est une fusion d'Alcott et de son personnage fictif, d'abord vu comme un écrivain en herbe à New York. Elle porte ses histoires à un éditeur sévère mais encourageant, M. Dashwood, joué par Tracy Letts avec des côtelettes d'agneau. (Il était, bien sûr, le père de Ronan dans le premier long métrage de Gerwig, Lady Bird.) "La morale ne se vend pas de nos jours", conseille-t-il à Jo, la poussant à écrire de manière plus sensationnelle. Aussi moderne que cela puisse paraître, cette ligne vient directement du roman.

Ronan est lumineux comme Jo, volatil et plein de réactions ultra-rapides

Élégante Amy est à Paris pour accompagner sa riche tante March, délicieusement jouée par Meryl Streep avec un roulement des yeux hautain. De retour en Nouvelle-Angleterre, Meg (Emma Watson) est mariée et mère. Beth (Eliza Scanlen), calme et malade, joue du piano chez elle.

Les souvenirs des sœurs nous ramènent gracieusement à sept ans, avec Meg et Jo au bord de l'âge adulte, mais qui mettent toujours en scène des pièces et jouent dans le grenier. À l'intérieur de la maison chaleureuse, Gerwig et le directeur de la photographie Yorick Le Saux créent un monde de chandelles et de chaleur près de la cheminée. À l'extérieur, la campagne de la Nouvelle-Angleterre est un paysage attrayant de lumière claire et brillante et de couleurs vives, des pelouses vertes aux feuilles rougeâtres et aux sentiers enneigés.  

Ronan est lumineux comme Jo, volatile et plein de réactions ultra-rapides. En tant que fille turbulente, elle se lie d'amitié avec Laurie (Timothée Chalamet), le garçon d'à côté. Et elle a tendance à la colère, ce qui a conduit Ronan et Dern à avoir une conversation impressionnante sur la façon de contrôler leur tempérament. «Je suis en colère presque tous les jours de ma vie», dit Marmee, apparemment calme, qui, comme le dépeint Dern, est vivante et énergique. Cette Marmée n'est pas sentimentale, même lorsqu'elle supplie «mes filles», comme elle les appelle, de donner le petit déjeuner de Noël à une famille pauvre qui souffre à proximité.

Chacun des personnages principaux reçoit au moins une scène généreuse dans le film, et Jo en a plusieurs. L'un des meilleurs spectacles silencieux de Jo adulte, fatigué et intense, agenouillé sur des dizaines de pages manuscrites éparpillées sur le sol du grenier. Il peut être situé au XIXe siècle, mais la scène est l'une des représentations les plus vraies d'un écrivain en activité jamais présentées à l'écran. Ronan crée un personnage qui va au-delà de la profession de Jo, cependant. Elle est parfois tiraillée entre son désir d'indépendance et la solitude de cette situation.

Pugh et Gerwig redéfinissent l'Amy tant décriée, faisant ressortir sa passion d'être artiste et la rendant sympathique. Justice pour Amy, enfin! Pugh la fait passer d'une enfant pétulante à une femme attentionnée et sophistiquée qui se débat avec le fait qu'elle a du talent, mais pas de génie.

Une grande partie du courant moderne et féminin du film vient de l'attitude et du style, y compris les tenues masculines, les gilets et les foulards de Jo. Ce thème devient parfois évident. A Paris, où Laurie est tombée amoureuse d'Amy après que Jo a rejeté sa demande en mariage, il la met en garde contre un mariage sans amour de l'argent. «Ne restez pas là à me dire que le mariage n'est pas une proposition économique», insiste Amy, lorsqu'une femme ne peut pas vivre décemment. Et Gerwig lui donne une scène dont les lecteurs d'Alcott ont peut-être rêvé, un exemple parfait de la façon dont le script prend des allusions tacites du roman et les laisse s'épanouir. La première réponse d'Amy à la déclaration d'amour de Laurie pour elle est pleine de douleur, comme le dit férocement Pugh:

Meg est plus optimiste, mais a ses propres complications. La jeune femme qui rêve d'avoir de belles choses lorsqu'elle va danser - franchement, il pourrait y avoir moins de danses dans ce film - devient l'épouse d'un tuteur appauvri (James Norton). Elle l'aime, mais laisse échapper lors d'une dispute: «J'essaye d'être heureuse, mais c'est difficile. J'en ai assez d'être pauvre. " 

Il n'y a pas grand-chose que Scanlen puisse faire avec Beth pâle, la sœur qui mourra bientôt. Et Chalamet est plus charmant comme le garçon spirituel que comme l'adulte domestiqué, qui enregistre si peu à l'écran qu'il pourrait aussi bien être un fantôme.  

Jo revient voir Dashwood à la fin du film, après avoir écrit ce que nous appelons maintenant Little Women. Son conseil d'épouser le fictif Jo, tiré de l'expérience éditoriale d'Alcott, permet à Gerwig de créer une résolution à la fois légèrement romantique et consciente de son romantisme exagéré.

Les adaptations à l'écran de Little Women remontent à une version perdue et silencieuse de 1917 et incluent la célèbre version de 1933 avec Katharine Hepburn et un beau film de 1994 avec Winona Ryder. Même dans cette longue lignée, le film intelligent et charmant de Gerwig semble en passe de devenir un classique.

Crítica de Star Wars : La montée de Skywalker

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JJ Abrams revient pour diriger le dernier opus de la saga classique - est-ce un triomphe ou une déception?

"Cette agonie ne finira-t-elle jamais", déclare C-3PO dans l'épisode IX de Star Wars: The Rise of Skywalker, et vous pouvez voir d'où cela vient. Non pas que le film soit une agonie en tant que tel. En fait, il s'agit d'une épée spatiale rapide et d'un opéra de sorcellerie, plein d'action et d'épées avec des normes élevées de conception de production et d'effets visuels, et un agréable mélange de mélancolie et d'humour. Mais vous seriez pardonné d'être fatigué de tout le mot bien avant d'avoir fini. Tout comme les deux premiers épisodes de la troisième trilogie Star Wars ont été rechapés des deux premiers épisodes de la trilogie originale des années 1970 et 80, ce dernier épisode est un rechapage de The Return of The Jedi, 1983. Le problème avec cela est que The Return des Jedi était une conclusion parfaitement satisfaisante de la saga Star Wars, impliquant tout ce qui devait être résolu. Tout ce que fait The Rise of Skywalker, c'est tout fermer une seconde fois, en répondant aux mêmes questions et en revisitant les mêmes sujets. C'est un rappel aussi maladroitement inutile que lorsque vous dites au revoir à un ami en larmes, puis vous vous heurtez et devez à nouveau lui dire au revoir.

Un autre facteur est que l'épisode précédent, The Last Jedi de Rian Johnson, a intelligemment subverti et commenté l'histoire jusqu'à présent. Il a essayé quelque chose de nouveau et de stimulant - et depuis, les fans s'en plaignent sur Internet. La montée de Skywalker, cependant, marque le retour de JJ Abrams, qui a réalisé The Force Awakens, et Abrams est déterminé à donner aux fans tout ce qu'ils veulent et espèrent. Tout comme l'autre grande finale à succès de 2020, Avengers: Fin de partie, il ne s'agit pas de s'engager avec des téléspectateurs occasionnels, il s'agit d'inviter les fidèles à crier à chaque slogan; chaque répétition d'une des mélodies classiques de John Williams; chaque réapparition d'un personnage bien-aimé.

En parlant de cela, Abrams ramène Billy Dee Williams, aussi charmant que jamais le filou Lando Calrissian, et il ramène Palpatine de Ian McDiarmid, l'empereur maléfique qui a été tué par Dark Vador - du moins il semblait - à la fin du Retour des Jedi. En fait, Palpatine est bien vivant et il a secrètement manipulé les personnages dans les deux derniers films, une triche narrative presque aussi irritante que dans Spectre quand il a découvert que Blofeld était responsable de tout ce qui est arrivé à James Bond de Daniel Craig. . Palpatine a même eu le temps d'assembler une flotte de méga vaisseaux spatiaux qui anéantiront la Résistance une fois pour toutes, à moins que quelqu'un ne puisse d'abord le retrouver dans son antre souterrain caverneux. Bien sûr, les personnes pour le poste sont Rey (Daisy Ridley) le stagiaire Jedi, Poe (Oscar Isaac) le pilote as,

Le sentiment principal qu’elle insuffle au spectateur est un respect renouvelé de l’imagination de Lucas

Les fans apprécieront de voir le gang se réunir à nouveau comme ça. Mais pour trouver Palpatine, Rey et les garçons doivent d'abord trouver une boule en forme de pyramide. Et pour trouver le bijou, ils doivent d'abord trouver un poignard spécial. Et pour traduire l'inscription sur le poignard, ils doivent trouver un mécanicien spécifique, Poe. C'est un complot de jeu vidéo tellement artificiel et finalement dénué de sens que George Lucas l'aurait rejeté lorsqu'il faisait sa préquelle de la trilogie. Mais peut-être serait-il plus juste de dire qu'Abrams et ses co-auteurs ont complètement abandonné la conspiration; tout ce qui les intéresse, c'est de remplir votre film avec du matériel Star Wars reconnaissable pendant deux heures et demie. Rappelez-vous comment la trilogie originale avait un petit robot mignon appelé R2-D2, puis la nouvelle trilogie a introduit un robot plus mignon et plus petit appelé BB-8? Bien,

Le film a tellement de personnages différents et de mondes différents qu'aucun d'entre eux n'a le temps d'avoir un impact. Aussi gratifiant que cela puisse être de voir Richard E Grant marcher dans des couloirs brillants comme un méchant nommé général Pryde, il n'a reçu aucun trait de personnalité à part la «fierté» de son nom, et je ne suis même pas sûr. Au lieu de moments mémorables et distinctifs, The Rise of Skywalker nous trompe avec des moments familiers. Voici une autre planète désertique; encore une autre planète explosée; un autre duel de sabres laser; encore un autre combat de chiens entre un essaim de TIE Fighters et X-Wing Fighters. Et voici encore plus de mythologie de Harry Potter sur les Jedi et les Sith, et une emphase encore plus fatigante sur quel personnage est lié à quel autre personnage. Tout ce service de fans mène à la question suprême et complexe de savoir si Kylo Ren (Adam Driver) et Palpatine peuvent inciter Rey à embrasser le côté obscur de la Force. Eh bien, qu'en pensez-vous? Quiconque a vu Le Retour des Jedi saura exactement ce qui va se passer, car ils l'ont déjà vu se produire.

Cela dit, le film est bien représenté, il a l'air si beau qu'il doit y avoir un fabuleux livre d'art conceptuel et il a un message positif sur le fait de ne jamais abandonner l'espoir. Mais le sentiment principal que cela insuffle au spectateur est un respect renouvelé de l'imagination de Lucas. The Rise of Skywalker a été conçu avec amour par un certain nombre de personnes talentueuses, mais le mieux qu'ils puissent faire est d'honorer tout ce qu'il a fait il y a plusieurs décennies.

Examen des chats: Est-ce un chat astrophe?

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Le film tant attendu et étoilé de la comédie musicale à succès est enfin là, mais est-ce un désastre ou un succès? Nicholas Barber donne son verdict.

La première chose à dire à propos des chats est que les chats eux-mêmes ont bonne mine. Lorsque la bande-annonce du film de Tom Hooper est sortie en juillet, les commentateurs en ligne se sont plaints de la peur des acteurs, avec leurs manteaux mal ajustés de fourrure générée par ordinateur. Mais l'équipe d'effets travaille clairement depuis lors, et maintenant les skins numériques sont brillants, élégants et parfaits. Les oreilles tremblent et les queues battent, les moustaches captent la lumière et les cheveux tremblent doucement avec la brise nocturne. À la réflexion, le skin CGI peut être la meilleure chose à propos de l'ensemble du projet.

Le pire, concernant cette chose? Ce serait l'histoire. Basé sur la comédie musicale internationale à succès d'Andrew Lloyd Webber, qui à son tour a été adaptée du recueil de poésie de TS Eliot, Old Possum's Book of Practical Cats, le film commence une nuit quand un chaton nommé Victoria (Francesca Hayward, une danseuse avec un sourire éclatant et une voix vibrante) est versé dans une ruelle en 1930 à Londres. Il est adopté par une tribu d'errants appelés Jellicles - un mot que vous entendez si souvent qu'il devient une sorte de torture sonore. Ses nouveaux amis à fourrure lui montrent les ruelles pavées, puis ils se rassemblent dans un théâtre abandonné pour rencontrer le Vieux Deutéronome (Dame Judi Dench), sa matriarche respectée et digne (donc ... Judi Dench, en gros). Ce soir, au Jellicle Ball,

Il y a quelque chose d'audacieux dans une comédie musicale qui vise à être un divertissement festif pour toute la famille, mais qui compte comme une expérience de pointe

À moins que vous ne preniez de fortes substances psychotropes en regardant le film, vous serez perplexe ou ennuyé par cette absurdité pseudo-religieuse, qui a été rafistolée par Trevor Nunn pour la production théâtrale originale en 1981, et qui n'avait absolument rien à faire. avec le comportement de vrais chats. Personnellement, je ne peux m'empêcher de respecter à quel point tout cela est illogique. Il y a quelque chose d'audacieux dans une comédie musicale qui vise à être un divertissement festif pour toute la famille, mais qui est en fait si aliénant et exagéré qu'elle compte comme une expérience de pointe. Et je ne parle pas seulement de la tentative vraiment terrifiante de Ray Winstone de chanter une mélodie.

Mais si les chats sont admirables à un certain niveau, ce n'est pas la même chose qu'être gentil - et il n'y a pas grand-chose pour vous faire rire ou pleurer, encore moins ronronner de plaisir. Le scénario a été écrit par Hooper (réalisateur de The King's Speech et Les Misérables) et Lee Hall (Billy Elliot, Rocketman), mais il n'y a pas de caractérisation ou de voyage émotionnel, et ils ne peuvent pas avoir travaillé longtemps sur des vibrations telles que «Look qu'est-ce que le chat a traîné »et« le chat a-t-il mangé ta langue? ». Le film est essentiellement un cabaret léger mais sans joie, dans lequel les numéros se relaient sous les projecteurs pour chanter leurs chansons caractéristiques. 

Les chats avaient besoin de plus de récit, de plus de comédie, de plus de mélodies pour arrêter le spectacle et de plus de chorégraphies qui n'avaient pas été coupées en bandes par les éditeurs

Rebel Wilson conserve son personnage habituel abasourdi et sans expression en tant que Jennyanydots, un chat gâté qui entraîne des souris et des cafards résidents. Naoimh Morgan et Danny Collins obtiennent le numéro de production le plus animé en tant que couple de voleurs joyeux, Rumpleteazer et Mungojerrie. James Corden s'amuse beaucoup dans le rôle de Bustopher Jones, l'aristocrate qui envahit les décharges des clubs les plus exclusifs du West End. Taylor Swift a un caméo en tant que Bombalurina essoufflée, et elle co-écrit également le seul nouveau morceau du film (qui n'a pas réussi sur la liste des Oscars de la meilleure musique originale). Et Jennifer Hudson, comme la Grizabella rejetée, fait exploser un Souvenir avec la force du vent, comme pour répéter la puissante routine de ballade tachée de larmes qu'Anne Hathaway a lancée dans Les Misérables de Hooper.

Si eux et le reste de la distribution étaient devant vous, en direct sur scène, il y aurait probablement assez d'énergie dans la salle pour être qualifié de grande soirée au théâtre. Mais le cinéma est un média différent. Pour être considéré comme un film musical majeur, Cats aurait besoin de plus de récit, de plus de comédie, de plus de mélodies pour arrêter le spectacle et de plus de chorégraphies qui n'avaient pas été découpées en bandes par les éditeurs. Si le film avait également eu un sens, cela aurait été un bonus. Cats n'est pas l'astrophilie que tout le monde craignait ou attendait en juillet, mais ce n'est pas non plus une justification triomphante de la vision de Hooper. Après toute cette confusion, il se rase - mais seulement pour une moustache.

Les meilleurs films de 2019

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Les cinéphiles ont profité de beaucoup de richesses cette année sur les écrans de cinéma, avec des offres comme Milieu, L'Irlandais et Il était une fois ... à Hollywood.

Phare

Robert Pattinson et Willem Dafoe prennent les devants dans ce film cinq étoiles, qui "parle de deux hommes qui en ont marre l'un de l'autre", écrit Nicholas Barber de BBC Culture. Co-écrit et réalisé par Robert Eggers, The Lighthouse a été tourné en 35 mm en noir et blanc et a un aspect presque carré, donnant au film une sensation claustrophobe et vieillie qui augmente l'intensité dramatique des performances centrales. "L'histoire ne va nulle part et les acteurs ne font rien", écrit Barber. 

Petite femme

Le deuxième long métrage de Greta Gerwig, après Lady Bird de 2018, cette septième adaptation cinématographique du roman séminal et extrêmement inspirant de Louisa May Alcott est peut-être le meilleur à ce jour. Le casting de stars comprend Saoirse Ronan (nominée pour un Golden Globe pour son rôle de Jo), Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet, Meryl Streep et Laura Dern. Caryn James écrit: «La merveilleuse adaptation de Greta Gerwig traverse la surface moraliste du roman pour explorer les thèmes ci-dessous: féminisme, créativité, indépendance et individualité. 

L'Irlandais

La chanson du cygne de Scorsese pour le genre qu'il a contribué à définir est un rythme glaciaire épique, avec des étoiles vieillies numériquement, très peu de discours pour ses rôles féminins et une attention légale aux détails. À près de 3 heures et 20 minutes et s'étalant sur 50 ans, The Irishman "offre une vision précise de la façon dont la corruption en politique et en affaires se fraye un chemin dans la vie des États-Unis", écrit Caryn James pour BBC Culture. Mettant en vedette des légendes du genre Robert De Niro, Al Pacino et Joe Pesci; Christina Newland écrit que le film reconnaît les années avancées des acteurs et du réalisateur "portant le film de gangsters à son extension la plus logique: la vieillesse et la mort".

Histoire de mariage

Marriage Story raconte l'histoire d'un divorce douloureux à travers le pays avec une honnêteté brutale. Charlie (Adam Driver) et Nicole (Scarlett Johansson) décident de ne pas impliquer d'avocats, mais cette promesse est bientôt rompue lorsque Nicole revient à Los Angeles avec son fils. Il est écrit et réalisé par Noah Baumbach, qui a déclaré au New York Times «ce film n'est pas autobiographique; il est personnel et il y a une réelle distinction en cela », en réponse aux questions de savoir s'il était fondé ou non sur votre propre divorce. «Tout le monde joue parfaitement son personnage», écrit Matt Goldberg dans Collider, poursuivant: «Le film de Baumbach est infiniment attirant non pas à cause de la haine, mais à cause de l'amour».

Jojo Lapin

Cette comédie absurde sur un nazi de 10 ans trouvant un adolescent juif caché dans sa maison est exceptionnellement brillante. Comme l'écrit Nicholas Barber pour BBC Culture: «C'est un film qui, même s'il ne fonctionne pas entièrement, surprend par son existence même. Une comédie joyeuse? Avec des enfants? À propos de l'antisémitisme? Et Hitler? Nous n'en aurons pas beaucoup plus cette année. »Écrit, réalisé et avec Taika Waititi (comme un dessin animé d'Hitler), Jojo Rabbit« équilibre remarquablement bien la lumière et l'obscurité ».

Une belle journée dans le quartier

Le deuxième film en tant d'années sur le présentateur de télévision pour enfants universellement apprécié Fred «Mister» Rogers, Um Belo Dia no Bairro est chaleureux, sage et sophistiqué. Ce type de biopic se concentre spécifiquement sur l'amitié entre un Rogers âgé et le journaliste Tom Junod, qui est romancé sous le nom de Lloyd Vogel, joué par Matthew Rhys. Mais c'est Tom Hanks, ainsi que l'optimiste Rogers, qui attire vraiment dans une performance «riche et subtile», écrit Caryn James. Pendant ce temps, la réalisatrice Marielle Heller «donne au film un style distinctif». 

Hustlers 

Peut-être le film le plus superstar de 2019 (bien que Cats ait essayé de risquer son argent), le casting et la programmation des Hustlers incluent Constance Wu, Jennifer Lopez, Cardi B, Lizzo, Usher, Julia Stiles et Lili Reinhart de Riverdale. Réalisé par Lorene Scafaria et basé sur un article du New York Magazine de Jessica Pressler en 2015, Hustlers suit la vie des strip-teaseuses new-yorkaises en renversant la situation sur leurs riches clients de Wall Street à la suite de la crise financière de 2008. Beth Webb dans Empire l'appelle «le rôle d'une vie de J Lo», ajoutant «ce sont les femmes de ce film qui invoquent votre côté instable et fragmenté, qui vous supplient de rester avec elles dans les moments les plus sombres». 

atlantique 

Mati Diop est entrée dans l'histoire avec le premier long métrage: elle a été la première femme noire à avoir un film à la compétition officielle de Cannes, où elle a remporté le Grand Prix. Il a maintenant été sélectionné pour l'Oscar de l'année prochaine du meilleur long métrage international. Ce drame romantique fantasmagorique commence comme une chose et évolue lentement vers quelque chose de très différent. Nicholas Barber a écrit qu'Atlantique est "rêveur, mais sensuel, fantastique, mais enraciné dans des faits inconfortables, le film séduisant de Diop a peut-être même réinventé un genre".

1917

Deux jeunes soldats se voient confier une mission qui pourrait sauver la vie de 1 600 autres personnes, dont l'un de leurs propres frères. Sam Mendes a filmé 1917 en longs plans, et ils ont été montés ensemble pour donner l'impression que l'ensemble du film est un plan unique et plein d'action. "Je voulais juste que le public participe à chaque seconde du voyage avec eux", a déclaré Mendes à Entertainment Weekly. 1917 est "tendu, stimulant et profondément émouvant", écrit Caryn James, le qualifiant de "l'un des films les plus passionnants de l'année". 

Singe

Centré sur un groupe d'adolescents guérilleros vivant dans les montagnes d'un pays d'Amérique du Sud sans nom avec un otage et une vache, Monos est un thriller de réalité courageux et dévastateur pour enfants soldats. Le réalisateur et co-scénariste Alejandro Landes dresse le tableau d'une existence misérable dans le froid et la pluie travaillant pour la mystérieuse Organisation. Charlotte O'Sullivan écrit dans le London Evening Standard que "le Monos intensément horrible est le film le plus sensibilisant de l'année".

Appât

Deuxième film remarquable en noir et blanc de l'année dernière au bord de la mer, Bait est un drame sombre et comique sur une communauté de pêcheurs à Cornwall, en Angleterre, et le conflit culturel entre les touristes et les habitants. Mark Jenkin a écrit, réalisé, filmé, monté et réalisé la bande originale de ce film, avec un petit budget et en utilisant un film 16 mm qu'il a traité à la main. Écrivant pour The Observer, Mark Kermode a qualifié Bait de «l'un des films britanniques les plus marquants de l'année, peut-être de la décennie», et il est maintenant le film de Cornwall le plus réussi jamais réalisé.

nous

Le film d'horreur surréaliste de Jordan Peele, mettant en vedette Lupita Nyong'o contre sa jumelle diabolique dans une combinaison rouge sang, joue avec ce qui nous met le plus à l'aise. "En utilisant de manière ludique les tropes classiques du genre tout en canalisant les peurs primitives, Us peut vous faire rire et grincer des dents à la fois", a écrit Caryn James pour BBC Culture. Rempli d'oeufs de Pâques, Us laisse le spectateur en vouloir plus.

Apollo 11

Créé et lancé pour le 50e anniversaire de la mission Apollo 11, qui a emmené le premier homme sur la lune, cet impressionnant documentaire est entièrement composé d'images d'archives. Réalisé et produit par Todd Douglas Miller, «le pouvoir émotionnel du film ne réside pas dans la documentation des astronautes dans l'espace, mais dans les images absolument incroyables des foules qui ont regardé le lancement de la Terre», a écrit Adrian Horton pour The Guardian, l'appelant "L'un des films les plus étonnants sur l'espace jamais réalisés".

Solstice d'été

As-tu peur du noir? La chose la plus effrayante de toutes est peut-être la lumière du jour que Midsommar vous met au défi de contempler. Passé pendant le solstice d'été suédois, il voit un groupe de touristes américains sans méfiance rejoindre une communauté rurale pour les vacances d'une vie - du moins c'est ce qu'ils pensent. Deuxième long métrage d'Ari Aster après Hereditary, il met en vedette Florence Pugh, Will Poulter et William Jackson Harper. Empire a écrit: "Après avoir bouilli lentement, avec le village fleurissant degré par degré, il atteint finalement un point d'ébullition qui fait que la célèbre fin de The Wicker Man ressemble à un documentaire sur le Fyre Festival".

Pour Sama

Le cinéaste syrien Waad al-Kateab a réalisé ce documentaire sur sa vie dans l'un des derniers hôpitaux permanents d'Alep, contrôlé par les rebelles, où son mari Hamza Al-Khateab était médecin traitant des personnes impliquées dans le conflit brutal. Pendant son séjour là-bas, Waad a donné naissance à sa première fille, Sama. Inébranlable dans son portrait de la guerre dans toute son horrible réalité, For Sama a été décrit par Variety comme "simple dans son concept et fracassant dans l'exécution, mêlant des reportages obstinés à des témoignages personnels non protégés" et "cinéma tu es là dans l'ordre le plus littéral".

Il était une fois ... à Hollywood

Le neuvième film de Quentin Tarantino, Il était une fois ... à Hollywood se déroule à Los Angeles dans les années 1960 et met en vedette Leonardo DiCaprio et Brad Pitt en tant qu'acteur fictif et son doublé, et Margot Robbie en tant que véritable Sharon Tate. Long de près de trois heures, ce marathon de lettres d'amour pour les années d'or d'Hollywood "pourrait être son chef-d'œuvre à la fin de sa carrière: bruyamment drôle, plein d'adrénaline cinématographique et plein de délicieux détails d'époque", écrit Robbie Collin pour The Telegraph. Ne dis à personne la fin.

Au revoir

Écrit et réalisé par Lulu Wang, The Farewell raconte l'histoire d'une femme sino-américaine, Billi (Awkwafina), à qui on dit que sa grand-mère - Nai Nai, interprétée par Shuzhen Zhou - a un cancer en phase terminale. Cependant, sa famille élargie décide de garder le diagnostic de leur relation malade - et planifie un mariage pour réunir toute la famille pour la dernière fois. Basé sur une histoire vraie, qui a pris de l'ampleur après que Wang ait dit à NPR This American Life en 2016, il a été salué par RogerEbert.com comme «une histoire de confrontations culturelles sans jamais s'appuyer sur des stéréotypes fous ou des clichés paresseux… Le film entier est magnifique parfait, en fait. "

Parasite

Lauréate de la Palme d'or 2019, Bong Joon-ho's Parasite "est une comédie noire, un commentaire social, un thriller d'action et un bain de sang, tout en un", a déclaré Emma Jones de BBC Culture. Le septième long métrage de l'auteur sud-coréen explore la dynamique des classes à travers l'intersection de la vie de deux familles, l'une vivant dans la pauvreté et l'autre dans le luxe. Le fils, Ki-woo, devient tuteur au manoir de la famille riche et est déterminé à partager son nouveau style de vie avec ses parents et sa sœur.

Livre intelligent

Passé une nuit bien remplie, Booksmart suit les geeks Molly et Amy à la veille de leur diplôme de lycée. Le plan sérieux d'assister à une fête d'enfants amusante devient une séquence hilarante de mésaventures à la poursuite de l'amour romantique et platonique. Les débuts de réalisatrice d'Olivia Wilde montrent l'amitié féminine sous un jour glorieux, avec de brillants personnages de soutien complétant ce joyau en pleine maturation. «Booksmart est infiniment drôle et scandaleux, mais toujours basé sur sa relation réaliste centrale», a écrit Caryn James pour BBC Culture. 

La mémoire

Avec Tilda Swinton et sa fille Honor Swinton Byrne, The Souvenir s'inspire de la jeunesse de l'écrivaine et réalisatrice Joanna Hogg à Londres dans les années 1980. Julie, la jeune étudiante en cinéma interprétée par Swinton Byrne, est amoureuse d'un homme plus âgé, Anthony (Tom Burke), qui a un faible pour l'opéra et la drogue. "Ce qui est si attrayant à ce sujet, c'est que Hogg n'a pas fait de film sur la maturation - il n'y a pas de fin parfaite pour le voyage de Julie à l'âge adulte", a écrit Emma Jones pour BBC Culture.

Portrait d'une dame en feu

Ecrit et réalisé par Céline Sciamma, Portrait d'une dame en feu transporte le spectateur dans la Bretagne du 18e siècle en France, où une relation s'épanouit entre Héloïse (Adèle Haenel) et sa nouvelle compagne Marianne (Noémie Merlant). Mais Marianne est en fait une artiste, désignée par la mère d'Héloïse (Valeria Golino), pour peindre secrètement son portrait pour l'envoyer à un mari potentiel. The Guardian l'a appelé "un drame énigmatique et superbement élégant qui provoque un frisson de plaisir esthétique et de peur".

Le roi Lion

Donald Glover et Beyoncé jouent dans le remake photoréaliste du classique de Disney âgé de 25 ans, qui a divisé les opinions des critiques. L'original est largement considéré comme l'un des plus grands films du studio d'animation, et beaucoup ont estimé qu'il n'y avait pas besoin d'un remake coûteux. Mais «le film de Jon Favreau est plus drôle que l'original, bien qu'il améliore les thèmes sombres de l'histoire», a écrit Caryn James pour BBC Culture, désignant le casting de Timon et Pumbaa de Billy Eichner et Seth Rogen comme «l'un des des choix plus heureux dans le film. Malgré les détracteurs du film, il est devenu le quatrième film de Disney cette année à 1 milliard de dollars (821 millions de livres sterling) de ventes au box-office dans le monde.

Se battre avec ma famille

Un adolescent gothique de Norfolk, au Royaume-Uni, qui a grandi dans une famille obsédée par la lutte, est l'héroïne de ce merveilleux biopic de la superstar de la WWE Paige. Réalisé et écrit par Stephen Merchant et mettant en vedette Florence Pugh, avec un camée de Dwayne 'The Rock' Johnson (qui l'a également produit), Fighting with my Family est «si gentil par nature que vous ne pouvez pas vous empêcher d'être conquis par votre charme, même si parfois cela semble familier », a écrit Digital Spy.

Désolé je t'ai manqué

Sorry We Missed You, de Ken Loach, suit la vie de Ricky Turner (Kris Hitchen), un chauffeur-livreur du nord de l'Angleterre qui dépend du travail indépendant dans l'économie des petits boulots pour ses revenus. Père d'un adolescent et d'une fille de 11 ans, Ricky et son épouse Abby (Debbie Honeywood) font face à la réalité de fonder une famille avec un revenu précaire. Le premier film de Loach depuis sa Palme d'Or avec moi, Daniel Blake, Sorry We Missed You a été décrit par Variety comme un "drame intime et puissant sur ce qui se passe dans la vie quotidienne des gens".

Avengers: Fin de partie

Le 22e film de la franchise Avengers incroyablement réussie de Marvel, Endgame était le billet de cinéma le plus attendu de 2019. Après Infinity War, les Avengers se sont réunis une fois de plus pour mettre de l'ordre dans l'univers et vaincre le diabolique Thanos. Vox a appelé Endgame "un film plein d'années de tradition qui parvient toujours à retrouver l'excitation de regarder votre première expérience Marvel". Il a ensuite battu Avatar en tant que film le plus rentable au monde et était le film à téléchargement numérique le plus vendu au Royaume-Uni de tous les temps.

Critique de film: Deux étoiles pour la bande dessinée Birds of Prey

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C'est le premier film de bande dessinée hollywoodien écrit et réalisé par des femmes, il se fait donc attendre depuis longtemps. Mais cette manœuvre violente est "plus une déclaration de mode qu'un film", soutient Nicholas Barber.

C'est la première fois: un film de super-héros hollywoodien écrit et réalisé par des femmes, mettant en vedette une distribution féminine multiraciale, sans compagnons masculins ni intérêts amoureux, et un thème sur l'apprentissage de la vie sans homme. Il est innovant, attendu depuis longtemps et inspirera une génération de filles. Mais cela signifie-t-il que le film en question est un bon film? La meilleure façon de répondre est de jeter un œil à son titre, Birds of Prey et l'émancipation fantastique de One Harley Quinn. Si vous pensez que le titre est fabuleux - ou, en fait, fantastique - vous pourriez aussi bien penser la même chose à propos du film. Mais si vous trouvez cela épuisant et difficile, vous devriez probablement regarder autre chose.

Votre réaction peut également dépendre de combien vous aimez Harley Quinn (Margot Robbie), la psychopathe excentrique et mignonne qui figurait dans l'horrible Suicide Squad en 2016, car bien que Birds of Prey porte le nom d'une équipe de lutte contre le crime naissante, Harley c'est son personnage central et son narrateur, et son esthétique scintillante Baby-Spice-go-grunge le traverse.

Elle commence par annoncer qu'elle et son petit ami, le Joker (qui n'est pas montré, que ce soit dans son incarnation en Jared Leto ou Joaquin Phoenix), ont eu un désengagement conscient. N'étant plus sous la protection du super-vilain le plus redouté de Gotham, elle se retrouve soudainement poursuivie dans les rues animées et les ruelles sales de la ville par ses nombreux ennemis, une situation qui aurait pu nous inquiéter si ce n'était de trois facteurs. Harley est un maniaque homicide sadique, donc les gens qui la poursuivent sont totalement justifiés. Elle sourit si implacablement qu'elle ne semble pas se soucier si quelqu'un lui fait du mal. Et elle fuit chaque confrontation sans une égratignure, il est donc clair que personne ne peut la blesser, de toute façon.

Rien de tout cela ne l'empêche d'avoir peur de Black Mask, un seigneur narcissique du crime et remplaçant du Joker de second ordre joué par Ewan McGregor, mais se pavanant et dansant autour du club comme s'il était joué par Nicolas Cage ou Sam Rockwell. Il est trop clown pour être effrayant, mais Harley lui promet toujours qu'elle va récupérer un diamant inestimable qui lui a été volé par une adolescente pickpocket, Cassandra Cain (Ella Jay Basco). Elle est aidée et empêchée dans cette tâche par trois femmes qui ont été maltraitées par des hommes: un justicier brandissant une arbalète nommé Huntress (Mary Elizabeth Winstead), un chanteur appelé Black Canary (Jurnee Smollett-Bell) et un détective de police nommé Renee Montoya (Rosie Perez) ).

Peut-être est-ce aussi un progrès qu'après tant d'années où les coups sanglants et postmodernes du Tarantino ont porté sur les hommes, il y en a enfin un qui concerne les femmes.

Ce n'est pas vraiment un complot; le scénario n'est en réalité qu'un moyen de mettre les différents personnages dans la même pièce. Mais le réalisateur, Cathy Yan, et la scénariste, Christina Hodson, dissimulent cette lacune en faisant en sorte que Harley décompose son histoire en morceaux, puis les remet ensemble dans un ordre différent - un des trucs que Birds of Prey emprunte aux années 1990 et Œuvre des années 2000 de Quentin Tarantino, Guy Ritchie et Danny Boyle. Plus une déclaration de mode qu'un film, cette câpre flashy et sucrée est un flot de narrations, de sous-titres, d'images figées, de flashbacks, d'interludes animés et de séquences de combat qui sont essentiellement des clips vidéo.

Chaque fois que Harley est capturée par l'un de ses ennemis, une chanson rock est jouée au volume maximum et elle fait des sauts périlleux dans la pièce au ralenti, brisant joyeusement les jambes des hommes. Cela a peut-être été vraiment subversif lorsque Hit Girl de Chloe Grace Moretz l'a fait dans Kick-Ass il y a 10 ans. Une décennie plus tard, je me suis senti désolé pour tous les policiers innocents, les gardes de sécurité et les passants qui ont été hospitalisés ou tués dans chaque scène.

Pourtant, nous ne devons évidemment pas nous en préoccuper. Yan et Hodson semblent croire que Harley et ses nouvelles sœurs portent un coup dur aux femmes opprimées partout (tant que ces femmes opprimées ressemblent à des mannequins), et alors rien d'autre n'a d'importance. Birds of Prey n'a pas d'images spectaculaires, de rebondissements intelligents ou de blagues décentes, mais comme il contient beaucoup de mauvais mots, de la violence sanglante, des vêtements disco élégants et des slogans féminins, le spectateur doit tout de même acclamer et donner un high-five. Regarder, c'est comme avoir quelqu'un à vos côtés criant à quel point il est incroyablement cool, amusant et féministe. 

Non pas que ce soit complètement ennuyeux ou pas du tout amusant. Birds of Prey est certainement plus cohérent que Suicide Squad et plus énergique que le triste redémarrage de Charlie's Angels, qui était la dernière tentative d'Hollywood pour assembler un trio d'héroïnes d'action. Cela peut aussi compter comme un progrès qu'après tant d'années où les coups sanglants et postmodernes de Tarantino tournaient autour des hommes, il y en a enfin un qui concerne les femmes. Aussi populaire que le film devienne, cependant, je doute que quiconque l'aimera autant qu'il s'adore lui-même.

Crítica do filme Invisible Man: 'Rien à voir ici'

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Le dernier remake de la nouvelle de HG Wells offre une touche féministe opportune - mais il manque d'émotion, écrit Nicholas Barber.

Le personnage principal de The Invisible Man est invisible à plus d'un titre. Fidèle à sa forme, il est invisible en ce sens que personne ne peut le voir. (Et, heureusement pour lui, personne dans le film n'a entendu parler d'un équipement d'imagerie thermique.) Mais il est également invisible dans le sens où la moitié du temps d'exécution est absente. Comme écrit et réalisé par Leigh Whannell, l'histoire se concentre sur la femme qu'il poursuit et donc, au lieu de parler de la délivrance et de la tentation qui peuvent provenir de ne pas être vus, il s'agit de la manière dont les hommes intimident les femmes. les femmes et la difficulté qu’elles ont à faire croire à quiconque. C'est une version féministe originale et opportune du concept de HG Wells, et une réponse bienvenue aux thrillers qui sont fascinés par les maniaques homicides aux dépens de leurs victimes. 

Cela commence par le personnage d'Elisabeth Moss, Cecilia, qui fait le tour de la maison sur la pointe des pieds, retient son souffle et espère que quelqu'un ne saute pas. Et si vous n'êtes pas dominé par cette séquence d'ouverture, vous êtes en difficulté, car Moss est beaucoup plus sur la pointe des pieds et retient son souffle dès lors. Cette première attaque à couper le souffle a lieu dans le manoir en béton et en verre au sommet de la falaise qu'elle partage avec son petit ami abusif, Adrian Griffin (Oliver Jackson-Cohen), un entrepreneur technologique qui est «un leader mondial dans le domaine de l'optique» .Après avoir échappé à ses griffes dominantes en se faufilant au milieu de la nuit, Cecilia restera avec son vieil ami James (Aldis Hodge), un père célibataire (et, commodément, un policier) avec une fille adolescente (Storm Reid). Même ainsi, Cecilia est trop traumatisée pour mettre ses pieds devant la porte d'entrée de James. Mais deux semaines plus tard, sa sœur (Harriet Dyer) apporte la nouvelle qu'Adrian s'est suicidé. Cecilia est soulagée - pendant un moment. Mais lorsque les objets commencent à se déplacer dans la maison, apparemment seuls, elle commence à soupçonner qu'Adrian est bien vivant, même s'il est un peu plus transparent qu'il ne l'était auparavant. Tout le monde commence à soupçonner qu'elle est délirante.

À une époque où les films d'horreur à petite échelle peuvent être aussi impressionnants que A Quiet Place and Get Out, un film aussi superficiel que The Invisible Man ressemble à une insulte

Il y a quelques moments dans The Invisible Man qui vous feront sauter de votre chaise et réfléchir à deux fois avant d'acheter de longs couteaux de cuisine. Et le film est presque sauvé par la performance engagée de Moss: elle laisse Cecilia sur une dépression nerveuse - tour à tour furieusement frénétique et épuisée au point de catatonie - que vous pouvez comprendre pourquoi les autres personnages supposent qu'elle est paranoïaque. Mais The Invisible Man n'est jamais aussi efficace que vous le souhaiteriez. Aussi inspirées que puissent être certaines des idées de Whannell, il semble qu'il avait rédigé le script, avec des post-it sur chaque page indiquant où les détails devaient être réalisés plus tard et où les trous de l'intrigue devraient être. connecté.

Le film est extrêmement vague quant à savoir si Adrian est un maniaque du contrôle ou s'il est si indifférent que n'importe qui peut entrer dans son laboratoire top secret. En fait, nous en apprenons si peu sur lui en général qu'il ne nous hante jamais comme Cecilia le poursuit. (Même si un méchant est invisible, cela peut aider à avoir une image mentale de lui.) En attendant, le dialogue distribue les informations de la manière la plus mécanique, il n'est donc pas rare qu'un personnage annonce à un autre: «Vous avez un entretien d'embauche important demain. «Même la tenue est extrêmement fonctionnelle. Comment savons-nous que Cecilia a étudié l'architecture à Cal Poly? Parce qu'elle a «Cal Poly Architecture» sur son sweat-shirt. Pire encore, Whannell n'a invoqué aucune astuce d'invisibilité qui n'avait pas été vue dans les versions précédentes de l'histoire. Vous ne pouvez pas vous empêcher de penser qu'un sadique du génie tordu d'Adrian aurait pu penser à des farces plus terrifiantes que de jeter la couette de Cecilia sur le sol. Cet homme invisible n'a pas beaucoup de vision.

Peut-être que j'attends trop d'une glacière à petit budget. Il y a cinq ans, Universal prévoyait de redémarrer The Invisible Man en tant que blockbuster d'action-aventure avec Johnny Depp, mais quand ils ont emprunté cette voie avec un autre de leurs monstres classiques, ils se sont retrouvés avec The Mummy, l'une des rares catastrophes de Tom Cruise. sur grand écran. Sensiblement, les dirigeants de studio ont opté pour une version moins chère de The Invisible Man, et c'est là que Whannell est intervenu. Co-auteur de la série Saw and Insidious, il se spécialise dans les voyages en train fantôme à bas prix, et s'il avait accompli cela en 90 minutes, cela aurait peut-être été tout aussi effrayant que les autres. Mais, au cours de deux heures, les défauts sont très visibles. Et à une époque où les films d'horreur à petite échelle peuvent être aussi impressionnants que A Quiet Place and Get Out, un film aussi superficiel que The Invisible Man ressemble à une insulte. Continuez: il n'y a rien à voir ici.

Les dix films les plus regardés en mars sont

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Mars voit la sortie de Onward et le redémarrage de Mulan, ainsi que les débuts français de Hirokazu Kore-Eda, The Truth.

Un endroit paisible, partie II

Quiet Place était l'un des films d'horreur les plus réussis sur le plan commercial, les plus vénérés par la critique et les plus terrifiants de ces dernières années. Sa prémisse diabolique était que le monde avait été dominé par des monstres extraterrestres aveugles avec une audition hyper-aiguë, donc si vous émettiez un son, ils vous déchireraient un instant plus tard. Jamais le public du cinéma n'avait été aussi silencieux. Deux ans plus tard, le scénariste et réalisateur John Krasinski revient pour la suite, et sa vraie femme, Emily Blunt, joue à nouveau une femme qui doit empêcher ses enfants de parler, d'éternuer ou de laisser tomber ses couverts. Lorsqu'elle s'aventure hors de la ferme fortifiée de la famille, elle découvre que certains de ses compagnons survivants (dont Cillian Murphy) sont aussi menaçants que les extraterrestres. 

En version générale à partir du 18 mars

Mulan

Oui, c'est un autre remake en direct d'un dessin animé classique de Disney, mais Mulan semble être loin de Cendrillon et de La Belle et la Bête. Basé sur la légende chinoise d'une fille (Liu Yifei) qui se déguise en homme pour rejoindre l'armée impériale, il ne contient aucune des chansons du fantastique film de 1998, et encore moins un dragon ludique exprimé par Eddie Murphy. Au lieu de cela, le réalisateur Niki Caro (Whale Rider) et le casting - qui comprend Jet Li, Donnie Yen et Jason Scott Lee - ont mis en scène des scènes de bataille massives et des combats d'arts martiaux défiant la gravité rappelant Crouching Tiger, Hidden Dragon. . Il n'est pas étonnant que ce soit le premier de ces remakes Disney à recevoir un certificat PG-13 aux États-Unis.

En version générale à partir du 25 mars

Épouses militaires

Avez-vous besoin de quelqu'un pour réaliser un film inspirant sur un groupe désorganisé de Britanniques agissant avec plus d'enthousiasme que de talent? Il suffit de chercher Peter Cattaneo, qui a pratiquement inventé le sous-genre avec le tube de 1997, The Full Monty. Son nouveau projet, inspiré d'une histoire vraie, met en vedette Kristin Scott Thomas et Sharon Horgan dans le rôle des femmes qui forment un chœur dans une base militaire pendant que leurs maris servent en Afghanistan. Leslie Felperin admet dans The Hollywood Reporter que cette comédie dramatique «éminemment amusante» est «plus qu'un peu manipulatrice et stéréotypée». Mais, dit-elle, "il est difficile de ne pas aimer un film qui présente une version a cappella de Only You de Yazoo ... et Kristin Scott Thomas se disputant verbalement dans un parking."

Lancé le 6 mars au Royaume-Uni et en Irlande, le 12 mars en Australie et le 27 mars aux États-Unis et en Norvège

La chasse

Ce thriller satirique de Blumhouse Productions, le studio derrière Paranormal Activity, Get Out and Ma, devait sortir en septembre dernier. Sa sortie a été retardée après le tournage à Dayton et El Paso en août 2019, lorsque des experts (qui n'ont pas vu le film) l'ont dénoncé comme une honte qui divise. Même le président Trump est entré en scène, estimant sur Twitter que "le film ... est fait pour enflammer et provoquer le chaos". Maintenant, enfin, nous pouvons voir de quoi il s'agissait. Réalisé par Craig Zobel et co-écrit par Damon Lindelof, l'intrigue semble tourner autour de 12 étrangers kidnappés et libérés sur une propriété privée, où ils sont massacrés par un groupe de chasseurs super-riches. Mais il se peut que rien ne soit ce qu'il paraît ...

Lancé le 11 mars au Royaume-Uni et le 13 mars aux États-Unis et en Suède

Vers l'avant

Les dragons, licornes et autres créatures de contes de fées rappellent souvent un passé mythique qui rappelle la Grèce antique ou la Grande-Bretagne médiévale, mais la grande idée derrière la dernière animation de Pixar, Avante, est qu'ils sont tous toujours vivants et donner de la force aux États-Unis aujourd'hui. Tom Holland et Chris Pratt (mieux connus sous le nom de Spider-Man et Star-Lord) donnent la voix de deux frères elfes qui se lancent dans un voyage - ou une quête magique, selon la façon dont vous le regardez - pour tenter d'amener leur père revenu d'entre les morts. Ben Travis a écrit dans Empire qu'Onward est "Pixar pur et parfait - un film avec une telle chaleur, un humour intelligent et une énergie créatrice que c'est une joie de passer quelques heures en votre présence".

En version générale à partir du 4 mars

Routes non empruntées

Le costume et le nouveau drame mystique de Sally Potter (Orlando) offre aux téléspectateurs trois vies pour le prix d'une. Javier Bardem incarne Leo, un homme qui vit à New York depuis son départ du Mexique, 30 ans plus tôt. Maintenant, cependant, il souffre de démence, et pendant que sa fille (Elle Fanning) et son ex-femme (Laura Linney) s'occupent de lui, il rêve de deux autres vies qu'il aurait pu mener, en tant qu'auteur sur une île grecque, et de retourne au Mexique avec son premier amour (Salma Hayek). Selon David Ehrlich d'IndieWire, Potter «profite de son expérience personnelle de prendre soin de son jeune frère quand il est mort de la maladie d'Alzheimer précoce… elle capte la tension intérieure d'aimer quelqu'un dans cet état - la friction déchirante entre la présence et absence ».

Sorti le 13 mars aux États-Unis et le 26 mars en Argentine

Bacurau

Croyez-le ou non, il y a deux films sortis ce mois-ci dans lesquels les riches attaquent les pauvres, Caça et Bacurau. Vous pouvez parier que Bacurau est l'étranger des deux. Lauréat du prix du jury au festival de Cannes l'année dernière, le western contemporain de Kleber Mendonça Filho et Juliano Dornelles semble initialement parler de corruption politique dans un village brésilien éloigné, mais lorsque des touristes lourdement armés arrivent, cela se transforme en quelque chose de très plus surréaliste. Barry Hertz du Globe and Mail résume le film: «en partie un film de siège, en partie un drame rural, en partie une panique sanglante», comme «une controverse anti-coloniale enflammée avec tant de choses à l'esprit que vous vous sentirez probablement si stupéfait. comme les habitants du village titulaire, qui ingèrent fréquemment des drogues psychotropes ».

Sorti le 6 mars aux États-Unis et le 13 mars au Royaume-Uni et en Irlande

Radioactif

Radioactive est ce que vous obtenez lorsqu'un pionnier dirige un biopic d'un autre. La réalisatrice est Marjane Satrapi, la romancière graphique franco-iranienne qui s'est fait connaître avec sa bande dessinée autobiographique, Persépolis, et son film d'animation adapté. L'autre pionnière est Marie Curie, la scientifique franco-polonaise qui a remporté le prix Nobel à deux reprises, mais qui a fini par être tuée par les radiations qu'elle a étudiées. Dans le film de Satrapi sur la bande dessinée de Lauren Redniss, Curie est interprétée par Rosamund Pike aux côtés de Sam Riley dans le rôle de son mari Pierre Curie et Anya Taylor-Joy (la star d'Emma) dans le rôle de sa fille Irene. «Attrayant, créatif, attentif et indéniablement beau», déclare l'AWFJ Alexandra Heller-Nicholas, «Radioactive confirme le statut de Satrapi comme l'un des cinéastes les plus originaux et les plus importants travaillant aujourd'hui.»

Lancé le 1er mars en Norvège, le 20 mars au Royaume-Uni et en Irlande et le 25 mars en France

La vérité

Hirokazu Kore-Eda écrit et réalise des drames humains perspicaces depuis 20 ans, avec un succès croissant: Les voleurs à l'étalage ont remporté le premier prix à Cannes en 2018. Vient maintenant le premier film qu'il a réalisé hors du Japon, La vérité (ou La vérité), une comédie française mélancolique construite autour de deux performances glorieuses. Catherine Deneuve joue le rôle d'une actrice parisienne emblématique qui vient d'écrire un mémoire égoïste, et Juliette Binoche joue sa fille, qui n'est pas très satisfaite de la façon dont son enfance a été réinventée dans le livre. "Du premier au dernier plan", déclare Owen Gleiberman dans Variety, "c'est un film d'une grande intelligence, confiance et vivacité, un acte étonnamment fluide et accompli de franchir les frontières."

Lancé le 5 mars en Allemagne, le 13 mars en Suède et le 20 mars au Royaume-Uni, en Irlande et aux États-Unis

Mauvais comportement

Le concours de beauté Miss Monde est peut-être un anachronisme, mais c'était auparavant l'une des plus grandes attractions de la télévision. Misbehavior, réalisé par Philippa Lowthorpe, rapporte ce qui s'est passé lorsque l'événement a été organisé au Royal Albert Hall de Londres en 1970. Des militantes féministes (Keira Knightley et Jessie Buckley) prévoient une manifestation pour jeter de la farine, mais Miss Grenada (Gugu Mbatha-Raw) fait valoir que leur inclusion représente une avancée pour les femmes noires. Pendant ce temps, les organisateurs (Rhys Ifans et Keeley Hawes) espèrent juste continuer l'événement, et l'animateur, Bob Hope (Greg Kinnear), craint que son humour sexiste ne se démode. Il n'y aurait guère de sujet plus actuel pour un film, même s'il se déroulait il y a 50 ans.

Lancé le 13 mars au Royaume-Uni et en Irlande

Les films les plus réconfortants pour les moments difficiles

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Le cinéma a toujours été un outil d'évasion, alors en ces temps extrêmement difficiles, Nicholas Barber sélectionne des bijoux cinématographiques pour vous aider à vous sentir mieux.

Des millions de personnes dans le monde touchées par la pandémie de coronavirus sont confinées à travers le pays, s'auto-isolent ou pratiquent le détachement social, mais l'aide cinématographique est à portée de main. Le cinéma a toujours permis au public d'échapper à ses problèmes pendant une heure ou deux: aucune forme d'art n'est meilleure pour nous transporter dans une réalité plus enchanteresse et consolante que la nôtre. Nous avons choisi certains des meilleurs films à cet égard, qui peuvent être visionnés à la maison, en divisant ces classiques de visualisation confortables en 10 catégories principales. Une couverture et un seau de glace à la pâte à biscuits sont facultatifs, mais recommandés.

Si vous voulez être libre et insouciant

En période de difficulté, il peut être étrangement édifiant de voir les gens sans problème. Un exemple serait J Harold Manners, l'heureux millionnaire joué par Harold Lloyd dans For Heaven's Sake (1926). Alors que les autres grands personnages de bandes dessinées stupides sont souvent frappés par le crime et la souffrance, la personnalité de Lloyd est joyeusement positive, et jamais plus que lorsque Manners flotte dans cette comédie animée de Sam Taylor, écrivant des chèques sans hésitation s'il en a besoin. acheter une voiture ou organiser une mission pour les pauvres. Un autre exemple serait Charles Pike de Henry Fonda dans The Lady Eve (1941), héritier d'une brasserie qui n'avait rien à craindre sauf d'être poursuivi par le chercheur d'or de Barbara Stanwyck. Mais les idoles définitives du cinéma, sans fantaisie,

Si tu veux chanter

Bien qu'il n'ait pas été cliniquement prouvé qu'il est impossible de passer par Fit as a Fiddle, Make 'in Laugh, Moses Supposes ou Good Morning sans se réjouir, il est certainement très probable, vous devriez donc regarder le film qui présente ces superbes chansons et routines de dansez au moins une fois par jour pendant les prochaines semaines. Singin 'in the Rain (1952), avec Gene Kelly, Debbie Reynolds et Donald O'Connor, est la comédie musicale la plus acclamée de toutes les comédies musicales hollywoodiennes, une comédie exubérante et colorée sur la transition mouvementée du cinéma muet au cinéma parlé. Mais en réalité, presque toute bonne comédie musicale devrait avoir suffisamment de plaisir énergique pour élever l'ambiance, de Easter Parade (1948) et The Band Wagon (1953) à The Blues Brothers (1980) et Little Shop of Horrors (1986).

Si tu veux tomber amoureux

Um filme tão reconfortante que tem um item de decoração suave em seu título, Pillow Talk (1959) é estrelado por Doris Day como uma mulher de carreira que não suporta seu vizinho playboy (Rock Hudson) que monopoliza sua linha telefônica compartilhada. Por que é um prazer tão grande? Um dos motivos é que a questão dramática mais tensa é se sua heroína e heroína devastadoramente atraentes vão ficar juntos (é claro que vão), enquanto os personagens se gabam de estilos de vida tão aspiracionais. As melhores comédias românticas permitem que você imagine que você também pode usar essas roupas, relaxar naqueles apartamentos e ter aquela conversa fiada nas boates e restaurantes metropolitanos, então aninhe-se com Doris e Rock – ou, se preferir, Hugh e Andie em Four Weddings and a Funeral (1994) ou Billy e Meg em When Harry Met Sally (1989).

Si vous voulez des soins tendres et affectueux

Parfois, nous nous sentons tous comme des enfants qui ont besoin du soutien d'un adulte, et qui de mieux que Baloo l'ours et Bagheera la panthère dans le livre de la jungle (1967)? Fidèles parents d'accueil, ils risquent leur vie pour assurer la sécurité de Mowgli, même s'ils savent que lui, comme tous les enfants, est destiné à les laisser derrière eux. La musique douce et les animations vivantes ajoutent un facteur de bien-être considérable au film. Mais si vous préférez qu'un être humain garde un œil sur vous, essayez la nounou pratiquement parfaite dans Mary Poppins (1964), la nounou à couper le souffle de Jason Statham dans Safe (2012), ou M. Lopez, le sage, patient et éducateur enseignant rural dans le documentaire émouvant de Nicolas Philibert, Être et Avoir (Ser e Ter) (2002).

Si tu veux que quelqu'un sauve le monde

Les films de Bond sont intrinsèquement réconfortants pour les Britanniques d'un certain âge, car ils ramènent le souvenir du moment où ils se débattaient devant la télévision le jour de Noël. Mais vous n'avez pas besoin d'être britannique pour vous sentir calmé par un champion extrêmement compétent et confiant qui surmonte le mal et raconte des blagues pendant que vous y êtes. L'espion qui m'aimait (1977) est le film de Bond avec l'équilibre parfait entre danger crédible et évasion de l'auto-parodie: aussi agréable que soit quand 007 fait le travail, vous ne doutez jamais sérieusement qu'il le fera. Pas un fan de Bond? Choisissez votre héros d'action préféré, que ce soit John McClane dans Die Hard (1988), Indiana Jones dans Raiders of the Lost Ark (1981) ou Superman dans Superman: The Movie (1978), un modèle qui peut littéralement remonter le temps pour être jours les plus heureux.

Si tu veux voir le côté drôle

Les comédies peuvent être des critiques acerbes de l'injustice sociale et de la fragilité humaine. Mais regardez - oublions tout cela pour le moment. Ce dont nous avons besoin maintenant, c'est du meilleur remède, car ils ont choisi des films dédiés à une chose et à une seule: nous faire rire. L'un des meilleurs est This is Spinal Tap (1984), le parfait documentaire de rock simulé de Rob Reiner sur un groupe de heavy metal malheureux joué par trois brillants improvisateurs et musiciens décents, Christopher Guest, Michael McKean et Harry Shearer. Oui, vous pouvez probablement citer la plupart des lignes maintenant, mais c'est en partie pourquoi il est si réconfortant de regarder à nouveau. D'autres films qui ajoutent à l'ambiance sont: Duck Soup (1933), The Return of the Pink Panther (1975), The Jerk (1979), Airplane! (1980), Borat (2006), What we do in the shadows (2014) et Penguins of Madagascar (2014).

Si tu veux plus de fromage, Gromit

Qu'est-ce qui est si réconfortant dans les films en stop motion d'Aardman? La vision nostalgique d'une étrange Grande-Bretagne obsédée par le fromage? Un non-sens éhonté et un jeu de mots implacable? Les grands sourires à pleines dents? Ou la connaissance que, même lorsque les personnages sont en danger, ils sont, avouons-le, faits d'argile? Peut-être que cela se traduira par le bonheur de profiter d'une œuvre d'art aussi aimante et méticuleusement faite à la main. Quelle que soit la réponse, Wallace & Gromit dans Curse of the Were-Rabbit (2005) a tous les ingrédients ci-dessus, complétés par la voix béatifique de Peter Sallis et quelques merveilleux appareils, ce qui en fait un délice du début à la fin. Les aficionados du Studio Ghibli, les animateurs japonais, diront que leurs dessins animés sont tout aussi originaux et joyeux, mais si vous restez avec Aardman, vous pouvez dévorer Chicken Run (2000), The Pirates! Dans une aventure avec des scientifiques! (2012), Early Man (2018) et A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon (2019).

Si vous souhaitez rejoindre une communauté

Le scénariste de Gomorrhe, Gianni Di Gregorio, a commencé à écrire, à réaliser et à jouer Mid-August Lunch (2008), une comédie délicieusement charmante sur un chien abandonné dans la soixantaine qui a besoin de prendre soin de sa mère et de trois autres femmes âgées. dans son petit appartement quand tout le monde a quitté Rome pour des vacances à Ferragosto. Aussi léger et léger que soit le film, qui ne dure que 75 minutes, il est un rappel vital de l'importance de prendre soin de la génération plus âgée - et de l'importance de descendre dans la rue pour un verre de vin avec un ami. Bref, il s'agit d'appartenir à un quartier. Pour plus de preuves qu'il est inestimable de faire partie d'une communauté locale, voir It's a Wonderful Life (1946), Amélie (2001), The Full Monty (1997) de Peter Cattaneo et l'adaptation de Jane Austen de votre choix. Bien sûr,

Si vous voulez vous assurer que les films sont vraiment réconfortants

Be Kind Rewind (2008), de Michel Gondry, est une comédie décrépite sur deux amis (Jack Black et Mos Def) qui effacent accidentellement toutes les cassettes VHS d'un vidéothèque et tentent de cacher leur erreur en enregistrant leurs propres versions amateurs de Ghostbusters, When We Were Kings, 2001: A Space Odyssey et plus encore. Ce qui aurait pu être un tour énigmatique avec une seule blague devient un hommage mélancolique aux magasins indépendants, aux rues pré-gentrifiées et à la satisfaction de travailler en groupe. En fin de compte, Be Kind Rewind est une évocation passionnante de la magie commune de s'asseoir dans une foule et de regarder un film sur grand écran - une magie que beaucoup sont refusées aujourd'hui. Les voyages de Sullivan de Preston Sturges (1941) et Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore (1988) célèbrent la même chose.


Si vous voulez voir la lumière au bout du tunnel

Au début de Wall-E de Pixar (2008), la Terre est un terrain vague avec un tas d'ordures et son seul habitant est un robot rouillé. En fin de compte, la race humaine est revenue de ses croiseurs vedettes et les récoltes reprennent. Bon à savoir.

Cinq étoiles pour Da 5 Bloods de Spike Lee

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Le film sur la guerre du Vietnam, Da 5 Bloods de Spike Lee, est «une condamnation du passé, un appel au changement et une riche œuvre d'art qu'il vaut la peine de regarder en permanence», écrit Caryn James.

C'est plus qu'une coïncidence de temps que Da 5 Bloods de Spike Lee résonne si fortement avec ce moment de manifestations pour la justice raciale. L'histoire de quatre vétérans noirs américains qui retournent au Vietnam pour récupérer le corps de leur chef d'escouade, le film prend position dans la longue histoire des inégalités qui a commencé avec l'esclavage et se poursuit aujourd'hui. Cela aurait été si pertinent à tout moment dans le passé. «Nous avons combattu dans une guerre immorale qui n'était pas la nôtre ... pour des droits qui n'étaient pas les nôtres», explique Paul (Delroy Lindo), qui a été psychologiquement dévasté par son expérience de la guerre et qui devient le personnage central profondément émouvant. Da 5 Bloods est Spike Lee à son meilleur, fait avec sa voix distincte et passionnée et son art cinétique.

Le mélange habituel de drame et de commentaires sociaux de Lee est plus que jamais enraciné dans les dures réalités émotionnelles de ses personnages ici. Peut-être qu'aucun de ses films ne peut égaler le choc puissant de son chef-d'œuvre de 1989, Do the Right Thing, mais Da 5 Bloods correspond à la performance dynamique de BlacKkKlansman de 2018. Le nouveau film a également une sensation épique qui n'a rien à voir avec cela. faites avec ses deux heures et demie, qui volent. Ses nombreuses couches examinent la race, l'histoire, la politique et les liens d'amitié, forgés entre ce groupe d'hommes qui se nomment eux-mêmes «Sang».

Ils sont retournés dans un Vietnam changé, plein de McDonalds et de Pizza Huts, prévoyant d'entrer dans la jungle et de trouver le corps de Norm (Chadwick Boseman), vu dans des flashbacks occasionnels. Dans une ligne qui déclenche le complot, ils essaient également de récupérer des millions de dollars de lingots d'or qu'ils ont trouvés et enterrés 40 ans plus tôt.

Chacun des vétérans a résisté différemment aux effets de la guerre. Otis (Clarke Peters), le solide leader du groupe, a l'esprit ouvert, se réconcilie et est accro à la drogue OxyContin. Deux personnages sont moins développés: Eddie (Norm Lewis) est devenu un homme d'affaires prospère, du moins il semble, et Melvin (Isiah Whitlock, Jr) est un coureur de jupons. Bien que le film doive être un décor, Paul est si compliqué et joué si puissamment par Lindo qu'il en devient le centre d'intérêt. Il souffre du SSPT, dit qu'il voit le fantôme de Norm chaque nuit et est rempli de colère contre le monde et contre son fils, David (Jonathan Majors), qui se joint au voyage parce qu'il craint que la colère de son père ne semble si déplacée. contrôle.

Lee et son directeur de la photographie, Newton Thomas Sigel, capturent magnifiquement les différentes textures des expériences de ses amis. Alors qu'ils s'aventurent dans la jungle, portant des sacs à dos et un détecteur de métaux, le vaste paysage ouvert et net devient envahi par la végétation et sombre. Lorsque le film revient aux années de guerre, nous voyons les bords de l'image grand écran se déplacer vers l'intérieur, de sorte que les flashbacks apparaissent dans un format carré plus petit. Le passé recule littéralement, sans aucune tentative de rendre les acteurs plus jeunes que les hommes d'âge moyen qu'ils sont dans le présent. Ce choix joue comme si les hommes étaient entrés dans leurs souvenirs. Comme Lee l'a souligné, cela a également permis d'économiser de l'argent.

Les panneaux indicateurs historiques seraient maladroits dans la plupart des mains, mais ils font partie de l'esthétique de Lee, et il sait exactement comment et quand les utiliser

Une partie de cet argent a été clairement utilisée pour les scènes d'action. Pendant la guerre, un hélicoptère est abattu et les Bloods entrent au combat. À l'heure actuelle, ils sont pris en embuscade par un groupe de Vietnamiens qui ont entendu parler de l'or, une situation qui conduit à se demander qui a trahi ce secret - et des fusillades sanglantes. Il y a des références ouvertes à d'autres films, y compris une boîte de nuit appelée Apocalypse Now et des clins d'œil amusants au classique sur la chasse à l'or, The Sierra Madre Treasure. Da 5 Bloods évoque également, intentionnellement ou non, The Deer Hunter, remplaçant ses vétérans blancs par des personnages noirs qui ont encore plus de raisons d'être traumatisés.

Ces raisons sont affichées sans ambages. Les personnages font référence à des personnages historiques, comme le peu connu Crispus Attucks, un homme noir qui a été la première victime de la guerre d'indépendance américaine. Lee commence le film par un montage vidéo de dirigeants noirs, de Muhammad Ali à Angela Davis, critiquant la guerre du Vietnam. À des moments pertinents du film, il montre des images des funérailles de Martin Luther King, Jr. et des atrocités de guerre aux États-Unis, y compris le massacre de My Lai. Personne n'a jamais dit que Lee était subtil, et ces signes historiques seraient maladroits dans la plupart des mains, mais ils font partie de l'esthétique de Lee, et il sait exactement comment et quand les utiliser.  

Ce didactisme n'entrave ni les personnages ni le lien que les acteurs créent si facilement. Comme Otis, Peters est sa présence toujours à l'écran. Beautiful, étant donné le caractère plus lourd avec lequel travailler, crée une figure tragique indélébile. Le rôle de Paul en tant que héros sympathique est particulièrement improbable car il soutient Trump dans un chapeau Make America Great Again. Le dégoût de Lee pour Trump est bien connu, et le film adopte également cette attitude. Otis dit qu'il ne peut pas croire que son ami "a voté pour le président Bone Spurs", se référant aux raisons pour lesquelles Trump n'a pas été rédigé.

Les références de Trump ne sont pas des coups de côté ou des coups faciles contre une cible politique. Ils font partie de la psychologie rusée du caractère de Paul. Le film établit un lien étroit entre sa colère face aux inégalités auxquelles il est confronté chaque jour et son soutien à Trump. Paul ne sait pas quoi faire de sa juste fureur, alors il attaque son fils, vote pour Trump et finit par perdre le contrôle de la réalité. Le film ne donne aucune excuse à la politique de Paul; il révèle ce qui peut arriver lorsque la colère légitime face à l'injustice est mal dirigée.   

Quand le monde se calme suffisamment pour penser à Oscar, Lindo doit être sur la liste du meilleur acteur

Lindo capture la rage volcanique de Paul, qui est toujours proche de la surface et explose parfois. Dans une scène particulièrement viscérale, il prononce un monologue en s'éloignant du groupe, se lamentant dans une détresse émotionnelle, criant «Le Seigneur est mon berger» et continuant de dénoncer son fils, le monde et le gouvernement américain qui l'ont empoisonné. soldats eux-mêmes avec l'agent Orange. La stratégie fréquente de Lee consistant à utiliser des gros plans pour se concentrer sur les moments les plus douloureux d'un personnage est particulièrement efficace ici, car Paul se rapproche de plus en plus de la caméra. Lindo quitte la scène déchirante: quand le monde se calme suffisamment pour penser à Oscar, il devrait être sur la liste des meilleurs acteurs.

Au fur et à mesure que l'intrigue se développe, les hommes commencent à se demander ce qu'il faut faire s'ils trouvent de l'or. Devraient-ils l'utiliser pour soutenir des causes sociales noires, comme le voulait Norm, ou l'argent devrait-il leur appartenir? Lee maintient l'histoire et l'action en mouvement, parfois avec un petit coup de pouce. Une sous-intrigue sur un groupe de défense des droits de l'homme découvrant et désactivant des mines terrestres est forcée, surtout lorsque ses membres tombent sur les Bloods à un moment particulièrement opportun. Et quand nous avons découvert comment Norm est mort, la raison est devenue un peu facile à prévoir. Mais ce sont des défauts mineurs.

Da 5 Bloods est émotionnellement brut et trop réel pour une fin heureuse et superficielle, mais il offre un peu d'espoir. L'existence même du film est stimulante. C'est une condamnation du passé, un appel au changement et une œuvre d'art riche qui mérite d'être regardée en permanence.

Revue de principe: `` Cela ressemble à plusieurs succès au box-office combinés ''

bskfjsald.JPG (21 KB)La dernière sortie de Christopher Nolan est la première sortie hollywoodienne en six mois, mais "il s'effondre sous le poids de tous les éléments de l'intrigue et des concepts qui y sont intégrés", écrit Nicholas Barber.C

Le principe de Christopher Nolan est le premier nouveau blockbuster hollywoodien à sortir en salles en près de six mois. La bonne nouvelle est que c'est tellement vaste, tellement épique, tellement rempli de lieux exotiques, de costumes élégants, de tournages et d'explosions que vous obtenez six mois de divertissement sur grand écran en deux heures et demie. De toute évidence, Nolan n'a jamais pensé à se calmer de temps en temps. Ayant réalisé la trilogie Inception, Interstellar et Dark Knight, il n'est pas quelqu'un que vous associez à des drames indépendants intimes et calmes. Mais il est tout de même surprenant de voir un film si exagéré que lorsqu'un personnage demande si les méchants envisagent un holocauste nucléaire, un autre personnage s'inscrit: «Non. Quelque chose de pire. "

Le destinataire de cette mauvaise nouvelle est un agent de la CIA froid et confiant (John David Washington, star de  BlacKkKlansman  ) connu uniquement sous le nom de Protagoniste. Il est alors informé que certains objets à travers le monde reculent dans le temps: ils ont été fabriqués dans le futur et vont dans le passé. D'une manière que je n'ai pas comprise, une scientifique exposante (Clémence Poésy) a découvert que ces objets «inversés» sont les restes d'une guerre qui sera déclarée dans les siècles à venir, et pourtant elle détruira toute l'histoire. C'est compris? Non, moi non plus, mais ce que je veux dire, c'est que cela fait ressembler un holocauste nucléaire à un jeu de dominos.

Cependant, même cette menace écrasante de la réalité n'est pas suffisante pour Nolan. Le protagoniste vient de suivre son cours de voyage dans le temps pour débutant lorsqu'il se lance dans une mission qui ne semble pas avoir grand-chose à voir avec cela. Premièrement, il doit pénétrer par effraction dans l'appartement très gardé d'un marchand d'armes à Mumbai avec l'aide d'un courtier britannique, Robert Pattinson, qui mérite son propre film dérivé. Il doit donc se rendre dans un restaurant chic de Londres pour une réunion avec un gros coup joué par le porte-bonheur de Nolan, Michael Caine (le personnage est nommé Sir Michael en l'honneur). Ensuite, il est chargé de prendre contact avec un oligarque sadique russe, Kenneth Branagh, qui dirige ses réunions d'affaires tout en glissant sur les vagues sur un catamaran à grande vitesse et à grande vitesse. Mais pour ce faire, le protagoniste doit aider l'épouse de l'oligarque, Elizabeth Debicki, à sortir de son mariage ... euh ... en laissant tomber un jumbo à l'aéroport d'Oslo et en volant un faux dessin de Goya. C'est compris? Encore une fois, moi non plus. Mais il est évident que Nolan n'a pas pensé à une seule scène sans réfléchir à la manière dont il pourrait la rendre plus excessive et coûteuse.

Fondamentalement, Tenet est un film de Bond qui presse Retour vers le futur 2 et Edge of Tomorrow dans sa dernière demi-heure

Il a toujours dit qu'il aimerait réaliser un film de Bond, mais il a dû se lasser d'attendre que les producteurs l'engagent, alors il est allé de l'avant et a fait le sien. Du jeu d'action d'ouverture aux sites de beauté internationaux, en passant par son voyou super riche et fortement accentué avec une armée d'hommes de main épuisables, Tenet suit la formule 007 à la lettre - le seul changement notable est que Le rôle principal a été divisé en deux, Washington jouant le rôle d'agent gouvernemental dur et dévoué, et Pattinson ajoutant l'accent anglais, l'humour insouciant et le goût de l'alcool. 

Il faut un certain temps à Nolan pour surmonter ce film d'espionnage et passer à l'inversion du temps. Mais quand il y arrive, il le pousse à des extrêmes caractéristiques. Il met en scène des poursuites et des fusillades frénétiques dans lesquelles différentes personnes courent dans des directions différentes à travers le courant du temps, et il présente de nombreuses idées de maux de tête que le protagoniste semble comprendre en une seconde, mais que certains d'entre nous luttent encore avec des jours. plus tard. Fondamentalement, Tenet est un film de Bond qui presse Back to the Future 2 et Edge of Tomorrow dans sa dernière demi-heure.

Il s'effondre sous le poids de tous les aspects de l'intrigue et des concepts qui y sont intégrés

Cela a l'air très tentant, et après un été sans succès au box-office, je suis reconnaissant pour un film qui ressemble à plusieurs blockbusters combinés. Mais Nolan et son éditeur n'ont pas encore trouvé le bon équilibre entre ces succès au box-office. En d'autres termes, ils ont consacré tellement de Tenet à des séquences de type Bond que les séquences de science-fiction ultérieures sont désespérément précipitées, peu développées et presque impossibles à comprendre. Le film précédent de Nolan qui ressemble le plus à Tenet est Inception, mais dans Inception, la notion d'entrer et de sortir des rêves méticuleusement projetés était répétée du début à la fin. Dans Tenet, l'inversion du temps est en arrière-plan depuis si longtemps que vous commencez à vous demander si Nolan l'a oublié. Après tout, nous avons entendu au début de l'histoire que les objets inversés peuvent anéantir l'univers tel que nous le connaissons.

Encore une fois, vous devez reconnaître Nolan. Pour reprendre la vieille expression, il met l'argent à l'écran, livrant le genre de fiction de pulp bruyante, extravagante et fondamentalement ridicule qui vous rappelle pourquoi vous allez au cinéma. Mais il s'effondre sous le poids de tous les aspects de l'intrigue et des concepts qui y sont intégrés. Vous n'avez pas l'impression, que vous avez habituellement dans ses films, que chaque élément est exactement là où il devrait être. Certaines parties prennent trop de temps, d'autres pas assez. C'est un plaisir de revoir un très gros film, mais un plus petit aurait pu être mieux.

La revue de la chasse: Donald Trump s'est trompé sur cette satire malveillante

Ce film d'action qui oppose les libéraux aux conservateurs a été initialement retiré du marché après avoir été attaqué par le président. Mais il est plus intelligent que ses critiques, écrit Caryn James.

«Rien de mieux que d'aller au manoir et de massacrer une dizaine de déplorables», dit un texto d'un homme riche à ses amis dans The Hunt, un nouveau film notoire pour toutes les mauvaises raisons. L'histoire raconte que de riches libéraux tirent et tuent des conservateurs de la classe ouvrière pour le sport. Sérieusement? Non. Comme Get Out and Us de Jordan Peele, The Hunt est une satire intelligente qui utilise les tropes de genre pour explorer des problèmes sociaux instables.

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Là où Peele joue avec l'horreur pour gérer la course, The Hunt utilise les éléments de films d'action vigilants pour créer un message rusé, amer et amusant à regarder sur la division politique américaine. Avec des méchants des deux côtés, les chasseurs appellent leur proie «hillbilly» et la proie dit que les persécuteurs sont «des élites sans Dieu». Quel dommage que la satire acide ne soit pas la raison pour laquelle The Hunt est devenu connu.

L'ouverture du film était prévue pour septembre 2019, mais Universal Pictures a interrompu sa campagne marketing, y compris une bande-annonce consacrée aux tournages, après deux tournages de masse aux États-Unis, une décision responsable et commercialement intelligente. Ce qui s'est passé ensuite était irrationnel et abusif. Sur la base de la seule bande-annonce, des experts de la droite politique ont attaqué le film pour sa politique supposée de gauche. Donald Trump a protesté contre ce qu'il a appelé «Hollywood libéral» dans un tweet incendiaire qui déclarait: «Le film sorti est fait pour enflammer et provoquer le chaos». Voilà pour la satire. La réaction sourde était un symptôme de ce que se moque The Hunt: la division laide et bornée de la politique aujourd'hui. Tiré du lancement le lendemain du tweet de Trump, le film est de retour,

Crystal est un Rambo de l'arrière-pays, surmontant et battant tous ceux qui la menacent

Il y avait toujours une bonne raison de faire confiance à l'approche du film. Le scénario est de Damon Lindelof, créateur de séries innovantes et hallucinantes, dont Watchmen and The Leftovers, et Nick Cuse, qui a écrit pour The Leftovers. Le film signale immédiatement son ton cinglant, en commençant par ce message texte. Bientôt, un groupe d'amis est dans un jet privé en train de boire du champagne pendant que des gens en casquette de baseball et en chemise de flanelle sont drogués sur le sol. L'action démarre dans l'avion, avec une violence graphique, mais étrangement comique. L'un des libéraux utilise froidement son stylet comme une arme mortelle. Contrairement à la série The Purge, qui a beaucoup de joie à tuer (les films de The Hunt, The Purge et Peele sont tous de Blumhouse Productions), les morts ici font toujours partie de la satire exagérée. Bien que si les films de surveillance vous font peur, bien sûr,

Les conservateurs, étrangers les uns aux autres, sont déchargés dans un vaste champ vert, où une boîte remplie de couteaux, de revolvers et d'armes d'assaut leur a été laissée pour se défendre. Pourquoi ne pas être sportif en essayant d'éliminer l'opposition? Les chasses sont frappées par des balles et des flèches de poursuivants invisibles, comme s'il s'agissait de Hunger Games avec un parti pris politique. Emma Roberts, Justin Hartley et Ike Barinholtz jouent une partie des proies. Betty Gilpin (de GLOW) est Crystal, qui travaille dans une société de location de voitures, a un accent du sud et émerge comme l'héroïne coriace, une armée d'une femme étonnamment douée pour tirer, poignarder et frapper le corps. Dès l'instant où elle s'enfuit du terrain et entre dans le magasin de campagne de maman et papa sur un chemin de terre de l'Arkansas, c'est une Rambo de l'arrière-pays,

Le réalisateur, Craig Zobel, est connu pour ses drames indépendants qui abordent des problèmes urgents, notamment la conformité, dans lesquels un gérant de restaurant est trompé et recherche un employé. Il se révèle également être un réalisateur d'action efficace, en phase avec le rythme rapide et le suspense du genre. Même lorsque l'action est plus féroce, cependant, le dialogue porte un thème impitoyable: il n'y a pas de héros politiques ici. Les conservateurs sont sympathiques au début comme des perdants, mais il s'avère que tout le monde a un passé déplaisant. Le personnage sans nom de Barinholtz diabolise haineusement les libéraux sur les réseaux sociaux. Gary (Ethan Suplee), qui anime un podcast, est un théoricien du complot qui dit à Crystal que «l'État profond» du gouvernement a orchestré la chasse.

D'un autre côté, Hilary Swank joue un PDG puissant qui rejette les humains de classe inférieure comme des animaux, mais son personnage n'est vu que de derrière dans une grande partie du film. Les autres chasseurs de gauche sont encore plus mal définis, ridiculisés pour leur politiquement correct, une cible trop facile. Nous pouvons enraciner pour Crystal parce qu'elle est une énigme, apolitique et axée sur la survie. Alors que l'équilibre des forces va et vient, et même dans un camp de réfugiés dans un autre pays, le film nous provoque habilement sur ce qui peut être réel - la théorie du complot de Gary pourrait-elle être vraie? - et ce qui peut être une manœuvre dans le jeu.

Il y a une longue histoire de satires qui font face à des problèmes parce que les Philistins les prennent au sérieux. La vie de Brian (1979), de Monty Python, envoi irrévérencieux de films bibliques, a été piquetée aux États-Unis et interdite dans certaines villes européennes. Clockwork Orange (1971) a été retiré des cinémas britanniques pendant des décennies après des accusations de meurtres d'imitation et de menaces de mort contre le réalisateur Stanley Kubrick. Et en 2014, The Interview, avec Seth Rogen et James Franco en tant que journalistes interviewant une version caricaturée du guide suprême Kim Jong Un, a rendu le vrai Kim tellement en colère que la Corée du Nord a fait irruption dans les e-mails de Sony. Le film, qui est ridicule et drôle, a été versé directement sur les plateformes de streaming.

Mais la mauvaise réaction à The Hunt va au-delà d'ignorer son ton satirique. Ce film atterrit dans un monde inondé de discours politiques désagréables, de mensonges flagrants et de trolls Internet, allant des petits podcasteurs au président des États-Unis. Il n'est pas étonnant qu'un film aussi perspicace sur le cynisme et la division de ce moment soit également devenu sa victime.